laPinta

Video-shop Zaragoza

Intervenciones en la Calle Alfonso

Videoproyecciones en la calle, situadas en la frontera entre lo público y lo privado, proyectando en esa ventana que supone su límite. El escaparate como frontera/límite entre la calle-espacio público y el comercio-espacio privado, frontera generadora de deseo. Deseos de consumo que se subvierten con la práctica artística, aunque también reflexión sobre cómo el arte es fagocitado por el sistema convirtiéndolo en objeto de consumo/deseo.

Interviniendo en la calle reivindicamos el espacio público como escenario privilegiado de nuevas prácticas artísticas, recuperando la conexión entre el arte y la vida cotidiana.

Utilizamos un lugar tradicional de comercio y ocio, y emblemático en la construcción del imaginario, símbolo identificatorio por excelencia de la ciudad, con su perspectiva lineal hacia el punto de fuga que supone la basílica del Pilar. La práctica artística contemporánea se funde con el escenario de la memoria y la enriquece.

Hablamos de la relación del individuo con la ciudad, de la angustia del ser humano frente al urbanismo, de la construcción de las ciudades con medidas no humanas, de cómo las políticas urbanísticas se diseñan para el pensamiento único, para dejar fuera a los outsiders, para homogeneizar al ciudadano, y cribar las formas de vida no convenientes, distintas, otras...

De la construcción del espacio público, y los hábitos que en él conviven, ¿Hasta qué punto el ciudadano tiene capacidad de mutar sus límites? ¿Qué usos diferentes y enriquecedores le podemos dar? La construcción de lo público no sólo como lugar físico, también hay un espacio público en el conocimiento y la información.

Los vídeos que se van a exhibir son diferentes maneras de entender y compartir el espacio de conocimiento, son ráfagas que dan un nuevo sentido a la noción de arte público, no como monumento tal como se entendería, por ejemplo, en la escultura decimonónica. ¿Para conmemorar el qué? ¿Para homenajear a quién?

Antoni Abad

Nacido en Lérida, vive en Barcelona. Sus proyectos han sido presentados en el Espacio Uno/Centro de Arte Reina Sofía, Madrid 1997; Museo de Arte Moderno de Buenos Aires 1999; 2 Bienal Iberoamericana de Lima 1999; ZKM'net_condition, Karlsruhe 1999; Dapertutto/La Biennale di Venezia 1999; Media Lounge/New Museum of Contemporary Art, New York 2001; Hamburger Banhof, Berlin 2002; Museu d'Art Contemporani de Barcelona 2003; P.S.1., Long Island City, New York 2003; y en internet .

Pluto

2002, loop infinito

Pluto es una videoinstalación de pequeño formato. Una proyección de moscas digitales que trazan trayectorias aleatorias revoloteando alrededor de un perro dibujado a mano por Abad sobre un papel que cuelga de la pared.

 

Filipa César

Actualmente trabaja desde su ciudad natal: Oporto y desde Berlín, a donde se trasladó, como otros jóvenes portugueses de su generación tras licenciarse en Bellas Artes.
En España hemos podido ver recientemente obra suya con motivo de las exposiciones: “Arte portugués y español de los 90. Encuentro entre dos colecciones” en el CaixaForum de Barcelona; “Otras alternativas. Nuevas experiencias visuales en Portugal” en el Museo Marco de Vigo (comisariada por David Barro) y en “Post-Portugal” en la sala Met.Room dentro del festival de Vídeo Off Loop'00, comisariada como en esta ocasión por Maribel Perpiñá y Pilar Cruz.
En lo que va de año ha realizado una exposición individual, “Menschen Tiere” en Berlín y colectivas en el Kallmann-Museum de Munich; Palácio de S. Bento, de Lisboa; en The Stenersen Museum de Oslo además de en el museo alemán Franz Gertsch. De las exposiciones realizadas en el 2003 a destacar su participación en la Biennal de Estambul comisariada por Dan Cameron.

Romance Reedit

2003, 8’51’’

Para el video Romance Reedit, Filipa César filmó a gente en las estaciones de tren y de metro. El montaje del video se utiliza como una herramienta que permite captar fragmentos de relaciones que se crean entre extraños al intercambiar sus miradas; bien motivados por la curiosidad o la atracción, bien reaccionando a la molesta sensación de sentirse observado. La naturaleza contradictoria de este intercambio de miradas se evidencia: la mirada como una manera de contactar y de establecer una comunicación con los otros, como un intento de superar la soledad individual y, a su vez, la mirada al ser una mirada mantenida, como una transgresión de las normas del decoro y la distancia entre extraños, una violación del espacio de intimidad individual protegido por el anonimato. Miguel Wandschneider

Matthew Dipple

Estudió Bellas Artes en la Universidad de Manchester y luego el Master en arte en el Courtauld Institute de Londres y fué allí, donde el interés acerca del concepto de tiempo se fue desarrollando bajo la tutorización del artista/historiador del arte Julian Stallabrass.
Actualmente, Mathew trabaja como asistente de la artista británica Sam Taylor-Wood y esta intervención “En la frontera” es una de sus primeras exposiciones.

Patience

2003

Muestra a un hombre intentando comprar un ticket de aparcamiento. Los intentos que tiene que hacer para que la máquina expendedora le coja sus monedas y funcione, claramente le está incomodando. El video se acelera y se ralentiza, dándole un toque como de película muda y acercándose, por la actitud agresiva, a la estética de los héroes y villanos de los comics, enfatizando así lo ridículo de su enfado.

 

El Perro

El colectivo El perro está compuesto por: Ramón Mateos (1968), Iván López (1970) y Pablo España (1970).

Este colectivo de artistas desde que han empezado a exponer llevan un ritmo trepidante. Sólo en el 2003 han presentado tres exposiciones individuales y participado en quince individuales, en más de una ocasión propiciando la polémica. Esta abundancia también es posible gracias a las condiciones intrínsecas al formato video, medio con el que habitualmente trabajan.

El presente año, han presentado su obra en “Espacio Legal/Espacio público”en el Centro de Arte Santa Mónica de Barcelona; “Aire incondicional” en el Schedhalle. De Zurich; “The Real Royal Trip by the arts. El Retorno” en el Museo Patio Herreriano de Valladolid; “ Madrid Abierto”, un proyecto de arte público ; en “Generación 2004” en La Casa Encendida de Madrid y en ARCO'04 bajo el auspicio de la Galería Salvador Díaz.

Guerra ambiental

2002/2004, 50''

"El deseo, lo que adoramos, es una fuente de dominación: la seducción de los escaparates, el eterno susurro publicitario o su estruendo, la aceleración de las modas, las persuasiones urbanas y las del ocio. Esta seducción es sistemática. Está pensada, meditada, organizada y dirigida, aunque nuestra percepción como seducidos entienda que es algo espontáneo y objetivo. Mientras, los seductores saben que es una inmensa obra de ingeniería retórica construida con ingentes cantidades de dinero, esfuerzo y programación.
Una característica reciente de las sociedades modernas es la explotación comercial de la violencia, al igual que se viene haciendo con el deseo.
Guerras de todo tipo nos acompañan constantemente: económicas, políticas, terrorismo, bandas urbanas, xenofobia, género y también aquellas de tipo incruento o puramente ambiental: de medios, de marketing, de comunicación,
comerciales. La historia de la humanidad corre paralela a las guerras, grandes, medianas o pequeñas.
Pero hay una violencia intrínseca en la imagen comercial que comienza desde el momento en que su sobreabundancia provoca una falta de claridad en los límites de la realidad y la ficción. La confusión de lo visible con lo real
es en sí misma el origen de la violencia que subyace en las imágenes publicitarias.
En este contexto proponemos la proyección de explosiones, desde una perspectiva puramente estética, en un escaparate comercial"

Alicia Framis

Es una de las artistas de orígen español (Barcelona 1967), de mayor proyección internacional. De hecho acudió a la última Bienal de Venecia representando a Holanda, país en el que vive desde hace años. Así y todo, no ha roto su vinculación con el circuito artístico profesional español y habitualmente trabaja con la Galería Estrany-de la Mota. Así pues, a la vez que En la Frontera, podemos ver estos días obra suya en el Centro de Arte La Panera de Lleida con una exposición individual bajo el título homólogo de Anti-Dog.

Este proyecto se ha presentado a lo largo de los dos últimos años en la Galería Annet Gelink de Holanda; el Palais de Tokyo de París; la Galería Ikon en Inglaterra; la Dunkers Kulturhus en Suecia; y en su variante de performance en el Reina Sofia de Madrid y la sala Metrónom de Barcelona.

Anti_dog videos

Reclaim The Light! Helsingborg 2003. 3'
Beauty Doesn't Have Gender, Barcelona 2003. 3'
Anti-Dog Against Domestic Violence, Madrid 2003. 3'
Anti-Dog In Ajax Football Stadium, Amsterdam 2002. 3'
Copyrighting Unwanted Sentences, Birmingham, 2003. 3'

La colección Anti-Dog ha sido realizada con el tejido Twaron, resistente a mordiscos de perros, ignífugo y anti-balas.

“COPYRIGHTING UNWANTED SENTENCES” ( “Registrando frases no deseables” ).

En Birmingham junté a estudiantes de la escuela de moda y mujeres que tenían una vida difícil. Pedí a los estudiantes que las entrevistaran y les preguntasen cuales son las frases que no querían volver a oír jamás. Estas frases, una vez marcadas con el “copyright”, se insertaron en cinco vestidos. Estos vestidos, de cinco metros de diámetro nos ayudaron a hacer una demostración en contra de la agresión verbal a la gente. Los gigantescos vestidos ocuparon la plaza Victoria de Birmingham durante viente minutos. Los modelos son las mismas mujeres que dijeron las frases, así que ellas las contemplaban con satisfacción. Alicia Framis.

Daniela Franco

Vive y trabaja a caballo entre México, su país de orígen, y Francia, a donde se trasladó para formar parte de la Residencia de artistas en Camac hace dos años.
Una vez finalizada la Licenciatura en Ciencias de la Información en el año 1994 y de ampliar su formación con un curso en Metodologías de la Comunicación en México, comienza su andadura académico-profesional por el extranjero. Así pues, se desplaza, gracias a una beca Fullbright, al Instituto de Arte de San Francisco, lugar en el que se introducirá en la práctica artística contemporánea.
El presente año ha participado ya en tres exposiciones: “ T-rex” en el Arena México Arte Contemporáneo de Guadalajara; “Art miami “ en el Kunsthaus Santa Fe de Miami y en “Errantes viajes o virajes” en el Centro Cultural Cofandi de Colombia en colaboración con Nacho Canut.

On n'attend que toi (Wait for no man)

2003, 3'59''
Un viaje circular al ritmo del poema "Jack's reminders to the King of Karactika". On n'attend que toi está compuesto de una serie de imágenes grabadas desde automóviles, trenes y aviones y la voz del escritor Ian Monk.

Sally Gutiérrez

Tras licenciarse en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid, Sally Gutiérrez se trasladó con una beca a Berlín, donde pasó varios años antes de desplazarse a Nueva York con una beca Fulbright, para realizar el Máster de Estudios Mediáticos en el New School University. En 1999-2000 fue becada en el Whitney Museum of American Art Independent Study Program y en el curso 2000-2001 disfrutó de la beca/residencia del Lower Manhattan Cultural Council World Views en el piso 92 de las Torres Gemelas.
Asimismo, Sally Gutierrez ha participado en numerosas exposiciones, tanto en Europa como en Estados Unidos. Ha impartido clases en la New School University y ha dado varias charlas y conferencias.

Convent

2003 3´35''
Grabado y realizado durante una estancia becada en el Monasterio de Veruela.
Los movimientos de un grupo de personas a través de diversos espacios del monasterio rompe la fuerte sensación de un tiempo histórico, suspendido e inmóvil. Los cuerpos marcan y definen los lugares que recorren. Se puede interpretar tal movimiento como entrada o como escape; desde esta dicotomía se escucha a alguna persona hablando sobre sus miedos, mientras se pueden oír sonidos ambiente así como sonido electrónico.

Núria Marquès

Acabé los cursos de doctorado en pintura de la Facultad de Bellas Artes de Barcelona en el 2001, en Setiembre del mismo año tuve mi primera exposición colectiva en la Galería Senda de Barcelona. Después de mi debut no me ha ido tan mal, se han sucedido las exposiciones: en la Capella del Antic Hospital (ICUB) de Barcelona; en Le confort Moderne de Poitiers: me selecionaron para la Bienal de Jóvenes Creadores de Europa y el Mediterráneo; he tenido vídeos en festivales tales como Xcentric CCCB Barcelona o Gallerie A*A Venecia. Este verano tuve una expo en el Museo Marco de Vigo, con gente muy interesante, “Indisciplinados”…Seguir desarrollando la obra e investigando ha sido posible gracias a las becas que he recibido últimamente: Fundación Arte y Derecho, Fundación Guash-Coranty y Beca Auditòrium Sa maniga -Fundació Sa nostra. Núria Marquès.

Angoisse

2003, 3'12''

En Angoisse, a ritmo de videoclip y estética gótica, las aguas resbalan a través del frescor de los matorrales mientras una figura femenina a modo de cisne blanco y falsamente puro parece caminar con temor. Pero esta bella ave blanca abandona toda idea de pureza. Por el hecho de insistir obsesivamente sobre algunos símbolos (como tambien pasa en el resto de metáforas, recurrencias infatilizadas y lugares comunes utilizados por Marqués) Parece que de repente esta imagen mira de reojo y descubre otra faceta producida por la decepción de una metáfora de pureza demasiado gastada. Manuel Olveira.

Jennifer y Kevin McCoy

Los norteamericanos Jennifer y Kevin McCoy que habitualmente muestran sus trabajos en EEUU, esta primavera además de participar en Vídeo-Shop, se han dejado ver hace bien poco por Bilbao con motivo de su exposición “Learning to Watch” (“Aprendiendo a observar”) en la sala Rekalde.
Durante sus estancias en Harvest Works, Thundergulch y Eyebeam, todas residencias para artistas en Nueva York, han realizado un buen número de trabajos y han recibido galardones como por ejemplo el “Net Art Commission” otorgado por The Alternative Museum o la “Beca para Arte por Ordenador” que concede la New York Foundation for the Arts en 1999.
Algunas de sus exposiciones recientes, también en Nueva York, han tenido lugar en el Carnegie Art Center o en las galerías Postmasters y Ronald Feldman.

Horror Chase

2002

Actor - Adrian Latourelle
“Horror Chase” se basa en una escena ambientada en la película de Sam Raimi Terroríficamente muertos (Evil dead 2), el ojo de la cámara se funde con el de una fuerza insinuada pero oculta. En la película de Raimi, esta fuerza toma al final posesión del protagonista; en “Horror Chase”, el software transforma la persecución en una sola dirección en impredecibles oscilaciones que combinan los roles de perseguidor y perseguido.
A lo largo de todo su trabajo, en cualquiera de sus formas – instalación, proyecto web, performance –la temática y la narración de las fuentes de inspiración escogidas están inextricablemente vinculadas a las transformaciones efectuadas sobre ellas.

Julia Montilla

Barcelona, 1970. Ha formado parte de diversas iniciativas colectivas como Entretrienal (junto
a Amanda Cuesta, Martí Manem y Connie Mendoza), grupo de discusión sobre el fenómeno de la proliferación de grandes citas dentro del circuito internacional del arte; o Capital, mesa de discusión sobre economía del arte
que tiene actualmente lugar en CASM bajo la dirección de Amanda Cuesta. De entre sus recientes exposiciones individuales destacan Double Feature; Galeria Toni Tàpies, Barcelona; o The Face of Fear; Fundació la Caixa,
Lleida. Ha participado asimismo en diversas exposiciones colectivas como Birdspace: a post-audubon artist aviary; muestra itinerante que ha tenido lugar en el Contemporary Art Center, New Orleans entre otros; Breaking Away;
PS1-MoMA, New York; o Yesterday was dramatic but... today is ok; Spazio Consolo, Milano. En los últimos años ha recibido las becas PS1-MoMA/Hangar, Artist in Residence at the International Studio Program, New York y la
subvención para Estancias en el Extranjero de la Generalitat de Calaluña.

Juande Jarillo

Granada, 1969. Este año Juande Jarillo, representado por la galería Joan Prats de Barcelona, ha participado en las ferias de arte: Art Basel, Miami Beach y Arco.
Su obra se ha incluído en diferentes exposiciones y eventos. Véase,a modo de enumeración: 25hrs Festival en Londres; Espai f de Mataró; galería Fúcares de Madrid; sala Can Felipa de Barcelona; festival Off Loop´00; Reina Sofía, con motivo de la exposición Monocanal; XXXVII Bienal de Arte de Pontevedra; Doméstico´01 en Madrid; Bienal de Amposta 2002 (con premio incluído);sala Metrònom de Barcelona; Bienal de la imagen en Movimiento de Ginebra, comisariada por Blanche de Joerg Bader y Jorge Bravo; Palau de la Virreina de Barcelona, en la expo Vosté está aquí y en el CCE de Perú.

Flamme (Capriccio)

2001, 1´ 48´´
Julia Montilla y Juande Jarillo muestran Capriccio como un ensayo visual sobre las pasiones humanas. Un tema que adopta la forma de contemporáneo tableau vivant. El cambio de posición de la figura la acerca a los autómatas del S.XVIII. Esta escena se desarrolla en un clarobscuro de tipo barroco que revela su parentesco con la pintura, pero también con fuentes contemporáneas como la publicidad, la moda o el cine. En ella se muestra la creación por parte de los lenguajes y códigos de la comunicación de modelos que no sólo se encuentran alejados de la realidad, sino que la sustituyen. Capriccio presenta a una mujer fetiche en una posición erótica sobre una peana giratoria, equidistante entre la caja de música y el Peep Show.

Roc Parés

Es artista y experto en comunicación interactiva. Es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y Doctor en Comunicación Audiovisual por la Universidad Pompeu Fabra. Cofundador (junto a Narcís Parés) y Dtor. Artístico de Galería Virtual, una plataforma de investigación y produción experimental que, desde el 1993, explora la tecnología de la realidad virtual como medio artístico.
Galería virtual ha desarrollado proyectos con Joan Fontcuberta, Marius Serra, Perry Hoberman y Andrés Lewin-Richter. Sus trabajos artísticos han sido presentados en diversos acontecimientos internacionales, en centros y museos de Europa y América, como son el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB), el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) de Madrid, la Tate Gallery de Londres, la Galería de Arte de Ontario (AGO) de Toronto y el Museo Nacional de Fotografía, Películas y Televisión de Bradford, entre otros.

COUNTERCOUNTER

2001-04, 6'
Una caja se abre una vez tras otra para mostrarnos su interior. Solamente contiene un contador de seis dígitos que avanza de cero a uno, tal como si la caja se abriese siempre por primera vez.

 

 

 

 

 

Tere Recarens

Nace en Arbúcies, Girona, y actualmente reside en Berlín.
Sus últimas exposiciones individuales han sido 19 mars 2014, en el Centre d’Art Santa Monica de Barcelona en el 2004 y Finger Flip, en Parkeros Box de New York en el año 2003.
También ha participado en exposiciones colectivas en este año en The Reykjavik Art Museum, o en el Salon Jeune Creation de Paris. En el 2003 participó asímismo en diversas colectivas como Monocanal en el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid; así como en Centro de Arte Laboratorio Alameda de México, en la Labgalerie de Strasbourg, en el Betanien KunstHaus de Berlin, o en la Art 34 Basel.

Besenrien

2003, 1'40"

Video grabado desde el cielo, barriendo las nubes.

 

 

 

 

Gino Rubert

Aunque nacido en México, Gino Rubert viene desarrollando su labor como artista visual fundamentalmente en España. Por este motivo ha recibido becas de apoyo a la creación como la de la Fundación Arte y Derecho, la del Ministerio de Asuntos Exteriores para una estancia en la Academia Española de Bellas Artes en Roma o la Mención Honorífica de Pintura perteneciente al XXVIII Premio Bancaixa de Pintura de Valencia. Así pues su obra forma parte de numerosas colecciones privadas como L´Oreal, Honda, Caja Madrid, La Caixa, Antoni Vila Casas, Castillo o El Monte de Sevilla, por ejemplo.
De sus últimas exposiciones destacar “Depicting Love” itinerante por el Künstlerhaus Bethanien en Berlín, el MNCARS en Madrid y el Centro Párraga en Murcia.

Mira, Mira

2002, 3'

Una pareja de jóvenes turistas interactúa sin ser consciente de estar siendo observada y filmada en la habitación de una pensión. Su diálogo, superpuesto en una posproducción explícitamente casera, se limita a “mira, mira”: ella le señala una nube (y dice “mira, mira”), él le señala la fachada de enfrente (y dice “mira, mira”), ella le hace observar no sabemos qué sobre un mapa (y dice “mira, mira”), en algún momento ella se pone gotas de ojos… Por fin, él la invita a tumbarse sobre la cama, la besa y entonces ella se levanta, dice “mira, mira” en un tono bien distinto y cierra las puertas del balcón.
Este video se proyecta a medio metro del suelo para respetar el ángulo de la grabación. Tanto el formato circular, como el hecho de desplazar la proyección hacia uno de los lados de la pared, subraya el carácter voyeur de la misma.

João Tabarra

Quizás la mejor manera de contar el currículum vitae del portugués João Tabarra es citando los sugerentes títulos de las exposiciones en las que ha participado en los dos últimos años: “Pozo de los murmullos”; “En el medio del camino tenía una piedra/Tenía una piedra en el medio del camino”; “Chroma Travel”; “Esplendor en la Hierba; Diferencia y conflicto”; “Archivo y simulación”; “Narrando Espacios, Tiempos, Historia” y “Agrupémonos todos”.
Habiendo presentado la mayoría de ellas en Portugal tambien, con Pozo de los murmullos participó en la XXV Bienal de S. Paulo, amén de dos incursiones en el territorio de su vecina Galicia: una, formando parte de la XXVII Bienal de Pontevedra y otra, en la citada exposición “Agrupémonos todos” en el Museo Marco de Vigo.

Pose/Maquillaje/Pose I. Pose/Maquillaje/Pose2

2004, 2"33" y 8"55"

Pose/Maquillaje/Pose, I y II, propone recuperar la discusión entre real y realidad, entre lo real servido y editado, y lo que sobrepasa o excede en nuestra propia realidad. Este real que me parece montado, adulterado, moldeado y manipulado gota a gota por códigos propios del “Show Business”; esta realidad maquillada y pomposa, moralista y dramática va poco a poco entrando gradual y dramáticamente en nosotros, disimulando muchas veces nuestro propio dolor y enmascarando nuestra galopante impotencia delante de la sociedad. ¿Podemos ejercer aún alguna crítica?, ¿en qué espacio?, ¿por quién será tenida en cuenta?. Es la muerte que se eleva, silenciosa nos devora, nos ocupa y nos engulle la voluntad y la capacidad de luchar todavía por la libertad.
Nuestra desesperación diaria, domesticada, se acomoda en nosotros como un virus que nos prepara para aceptar la cobardía, como si fuese una utopía. Somos educados como esclavos que ríen. ¿Seremos felices?. Francisca A.

Laura Torrado

Estudié en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid y, dos años después, tuve la oportunidad de irme a Nueva York con una beca Fullbright. En esta ciudad estuve viviendo tres años, hice unos cursos en la School of Visual Arts y viajé por el país. (…) En 1995 regresé a Madrid y alquilé un estudio en un piso de la calle del Olmo. Por aquel entonces participé en la exposición “Meridiano” de la Comunidad de Madrid, con otros artistas españoles de mi generación. Estuve tres años realizando mi trabajo en Madrid y, a partir de 1997 y hasta 2001, pasé una temporada en París, donde estuve trabajando con una galería de fotografía. La última exposición en la que participé en París fué el Premio Altadís de Artes Plásticas, en el año 2001.
Desde entonces y tras una breve estancia en Oporto, estoy instalada en Madrid, trabajando y exponiendo en distintas galerías e instituciones nacionales e internacionales.

The Members

2004, 36'

The Members es un video donde dos hombres,supuestos miembros de un organismo, se encuentran en un lavabo público.
Encuentro que sugiere un desencuentro, pues ambos hombres se abofetean girando alrededor de ellos mismos. La escena ralentizada que se repite una y otra vez, sin dar mayor información que la propia acción de golpearse y buscarse, nos insta a buscar una narración inexistente.
Sin embargo serán las distancias entre los cuerpos y sus actitudes las que establezcan un ritmo, un diálogo, una especie de danza que gira en torno al espacio que el otro ocupa.

Marc Viaplana

“Si vale la pena hacer algo, vale la pena hacerlo aunque sea mal”

Estudios inacabados de Historia, Fotografía y Criminología.
Actividades en varias bandas de un solo concierto y expulsado de otras por diferentes razones.
Aficionado a las armas de fuego hasta que le son retiradas por la Guardia Civil en extrañas circunstancias.
Jugador semiprofesional de billar americano hasta que empieza a hacerlo bien.
Practicante de arte contemporáneo hasta que comienza a ser conocido.
Motorista amateur hasta que sufre el primer accidente serio que lo envia una semana al hospital y le deja sin vehículo (una bicicleta posterior le es robada en menos de una semana).

ATM

2004, ∞

Recomendaciones a los usuarios de tarjetas:
No lleve nunca el número secreto de su tarjeta en la cartera o junto a ésta. Memorícelo. Firme siempre su tarjeta para que, en caso de robo, se pueda comprobar la rúbrica. Si detecta cualquier irregularidad en su cuenta corriente, anule inmediatamente la tarjeta de crédito. Después, diríjase a su banco y compruebe los últimos cargos. No comunique a nadie los cuatro dígitos de este número. Trate de buscar cajeros sin mecanismos exteriores de apertura de las puertas para evitar los duplicados de bandas magnéticas. Denuncie la situación en cualquier comisaría de policía si ha sido víctima de un robo y solicite al banco la devolución del importe sustraído. Evite teclear su número secreto delante de otras personas, sobre todo, de desconocidos. Desconfíe de cualquiera que se acerque al cajero automático cuando usted esté realizando una retirada de efectivo. Recuerde que existe un código de buena conducta aprobado por el Banco de España que establece un límite de responsabilidad de 150 euros por parte de los bancos. No establezca como número secreto de su tarjeta de crédito cuatro dígitos de fácil obtención, como pueden ser su fecha de nacimiento o varias cifras iguales. Por su seguridad, evite que los empleados de los establecimientos se lleven su tarjeta para operar con ella sin que usted vea lo que están haciendo. Si ha sido víctima de un fraude, diríjase al Defensor del Cliente, a su banco o a ABICAE (Teléfono: 91 540 05 13).

00:01 ► Visiones de Videoarte

TESOROS ENCONTRADOS / FUENTES PARA UNA HISTORIA

Nos pusimos a imaginar que habían pasado muchos años del momento actual...

... y un buen día, en los sótanos de un viejo museo de lo que a comienzos del siglo 21 se había dado en llamar “arte contemporáneo” hoy reconvertido en museo arqueológico, habíamos encontrado una caja cerrada, una especie de cápsula encriptada. Con la misma emoción que Howard Carter en el instante en que entró en la cámara funeraria de Tutankamon, la abrimos y encontramos catálogos en papel de cuando el arte aún se exponía, varios certificados de autenticidad de cuando el arte aún se vendía y vídeos en diversos formatos obsoletos. Inmediatamente buscamos los aparatos, dentro de los fondos del museo arqueológico, para poder leerlos, y al abrirlos vimos que se trataba de documentos de un valor excepcional, estos vídeos resultaron ser archivos que nos informaban sobre la condición del individuo, del modus vivendi de aquellas generaciones, un prisma de la época...

Si dentro de unos años se encuentran estos vídeos en una caja en un almacén de museo, probablemente con estas fuentes no se pueda hacer una interpretación de la historia más que parcial, una historia a la deriva, una historia hecha de fragmentos de realidad. Pero serían en todo caso fuentes fidedignas, puesto que el practicante de arte de entre siglos utilizó la herramienta vídeo para acotar su realidad, para redefinirla, para producir un extrañamiento sobre lo que percibimos como mundo circundante y de esta manera señalar lo que suele pasar desapercibido, las grietas del sistema cultural, lo que aceptamos como orden natural de las cosas, las historias oficiales.

¿Qué tipo de historias el hipotético espectador/arqueólogo futuro construirá tras el hallazgo de estos documentos?

Antoni Muntadas y la crítica a los medios de comunicación como aparatos ideológicos no-inocentes, leyendo entre líneas. Bill Viola explorando en profundidad los conceptos de tiempo, espiritualidad, la conciencia y la memoria, la vida y la muerte. Marcelo Expósito que busca en el inconsciente colectivo los fragmentos olvidados, contra la amnesia de hechos trágicos, contra el olvido reconciliador.

Miquel García o la furiosa angustia del individuo que no consigue huir de sí mismo ni de la vigilancia orwelliana a la que estamos sometidos. Sally Gutiérrez y de cómo los espacios construidos nos remiten a relaciones de poder y de los símbolos en los que se apoya. Andreas M. Kaufmann que aisla gestos y acontecimientos diarios, reconocibles en la memoria colectiva, dándoles una nueva dimensión con el uso del tiempo, y jugando con nuestra percepción. Cova Macías con un retrato generacional a través de los deseos y confidencias de unos adolescentes que, siendo sujetos de su propia representación, consiguen transformar su cotidianidad en una especie de “termómetro de época”

Roc Parés, que reproduce un diálogo tecnológico-visual mediante el recurso de la fábula, recurso por el cual los seres inanimados representan actitudes humanas con un fin moral...

Nos preguntamos cuál sería la interpretación de este presente en ese futuro con estas fuentes, estas visiones de videoarte, visiones del mundo. Y qué aportaciones harían, que nuevas dudas sugerirían para un desaprendizaje. A qué no-conclusiones llegarían.

Bill Viola

Es una de las figuras más importantes del videoarte internacional. Desde inicios de los 70 Viola ha usado el vídeo para explorar el fenómeno de la percepción sensorial como camino hacia el autoconocimiento. Su trabajo se enfoca en las experiencias humanas del nacimiento, la muerte, el desarrollo de la conciencia; y tiene raíces en el arte oriental y occidental, así como en las tradiciones espirituales, incluyendo el budismo zen, el sufismo islámico y el misticismo cristiano. Viola ha sido fundamental en el establecimiento del video como parte vital del arte contemporáneo.

Estudió en la Universidad de Siracusa, desde entonces ha producido más de 150 obras que han sido expuestas en museos y festivales de todo el mundo. Representante de su país en la Bienal de Venecia de 1995. Ha expuesto en, entre otros, el Whitney Museum of Contemporary Art, National Gallery de Londres, la Tate Modern de Londres o el Getty Museum en Los Ángeles. Es doctor de la universidad de Siracusa, de The Art Institute of Chicago, y el California Institute of the Arts, entre otros.

The Passing (El pasajero fugaz)

1991, 54:13 min, b/n, sonido

The Passing trata de un viaje inquietante al terreno de la conciencia, del inconsciente y a los paisajes desérticos del suroeste, combinando el sueño, las fantasías oníricas y el drama de despertar a la vida como obra maestra impresionante. Viola, ubicada en el centro de esta exploración personal de tiempo y espacio alterados, representa su mortalidad en forma de radiante recién nacido, de su madre difunta, y del propio artista, flotando y sumergiéndose en el agua. En un blanco y negro crudo y conmovedor, The Passing refuerza la noción de permeabilidad del límite entre lo real y lo surreal. El sonido incontenible de la trabajada respiración de Viola cuando duerme y se despierta sirve para arrastrar al espectador a través de una topografía de ensueño.

The Reflecting Pool

Antología 1977-80:

• The Reflecting Pool (El reflejo del estanque) 1977-79, 7 min, color, sonido
• Moonblood (Sangre de luna)1977-79, 12:48 min, color, sonido
• Silent Life (Vida en silencio)1979, 13:14 min, color, sonido
• Ancient of Days (Lo antiguo de los días)1979-81, 12:21 min, color, sonido
• Vegetable Memory (Memoria vetetal) 1978-80, 15:13 min, color, sonido

Viola describe The Reflecting Pool como "una colección de cinco obras independientes que, si se analizan en su conjunto, describen las etapas de un viaje personal mediante la utilización de imágenes de transición –del día a la noche, del movimiento a la estática, de lo temporal a lo intemporal, etc.—Cada obra explora técnicas y tecnologías de vídeo específicas, en combinación con las posibilidades espaciales del sonido en estéreo".

En la obra que da nombre al título, todo el movimiento y el cambio de una escena estática se centra en los reflejos de la superficie del estanque de un bosque. La imagen de un hombre suspendido en el tiempo, estático en el aire en el momento del salto por encima del agua, ingeniosas técnicas de fotografía estática y grabación múltiple unen las distintas fases de tiempo en una sola imagen coherente. Viola escribe que "la obra trata del descubrimiento del individuo de la naturaleza –una especie de bautismo". Describe MoonBlood como "una expresión del principio femenino, una obra en tres partes relacionadas con el concepto personal de mujer y madre. El día y la noche convergen con la silueta de una mujer asomada a la ventana --la lluvia torrencial en invierno, y la interacción serena del cambio de luz al amanecer se desarrolla en un vaso de agua en el amanecer del desierto". Silent life recoge las primeras horas y días de la vida mediante una serie de retratos de recién nacidos en una clínica de maternidad. El ambiente alienante de la clínica, y la vulnerabilidad de los gestos y expresividad prelinguales, sugieren un primer vínculo entre el nacimiento y la muerte.

Ancient of Days es una serie de destacados "cánones y fugas para vídeo" que comprenden los análisis del tiempo metafóricos y estructurales más sofisticados de Viola. Notas matemáticas de edición precisa–de códigos de tiempo se aplican para construir imágenes de simetría temporal, dualidad y transposición --equivalentes en base al tiempo de principios de composición musical como el contrapunto y el serialismo. Intervenciones temporales asombrosas –un enfoque de 180º observando desde arriba una calle de la ciudad de Nueva York que progresa del día a la noche, una imagen de Mount Rinier en la que la superficie y el fondo se desarrollan en distintos planos de tiempo – como transformaciones simbólicas de paisajes urbanos y naturales.

El título de Vegetable Memory proviene de la obra de Jalaludin Rumi, un poeta persa del siglo XIII. Evoca lo que él denomina una "especie de cristal de aumento temporal" e indaga sobre el fenómeno perceptivo de la visualización cíclica, repetitiva. Un bucle de imágenes grabadas en el mercado de pescado Tsukiji de Tokio se amplía en ciclos cada vez más lentos, cambiando la forma, la percepción y por último el significado de las imágenes originales según se introducen más y más en la subjetividad y lo pictórico.

Antoni Muntadas

Es uno de los artistas españoles más reconocidos internacionalmente.en sus instalaciones, proyectos de arte público, en internet y en sus trabajos de vídeo deconstruye los sistemas de representación e información que existen en el paisaje de los media contemporáneos. Investigando los mecanismos invisibles de la producción y recepción de los textos de los media, analiza el consumo de la información y el proceso por el cual éste es mediatizado y manipulado por el poder.

Nació en Barcelona en 1942. Estudió arquitectura en la universidad de Barcelona y en la Escuela Técnica Superior de Ingenieros Industriales. Dedicado inicialemente a la pintura, se traslada a Estados Unidos en 1971 y reorienta su práctica artística acudiendo a todo tipo de medios y disciplinas e interviniendo en los espacios públicos. Ha enseñado en numerosas universidades, como la Universidad de San Diego o el Massachusetts Institute of Technology. Ha recibido numerosos premios y becas. Su trabajo ha sido expuesto en festivales como la Bienal de Venecia, Documenta 6 de Kassel, o la Bienal de Sao Paulo. Se ha mostrado asímismo en The Museum of Modern Art de Nueva York, Musee d’art Moderne de la Ville de Paris, MACBA de Barcelona, Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Palaix de Beaux Arts, Bruselas, entre otros.

TVE: Primer intento, 38’ 20’’, b/n y color, sonido

Se realizó para el programa Metrópolis de TVE pero nunca llegó a emitirse.

Muntadas utiliza imágenes de archivo del NO-DO, cartas de ajuste e imágenes tomadas en instalaciones de TVE.

This is not an advertisment (Esto no es un anuncio)

1985, 5:05 min, color, sonido

En un proyecto patrocinado por la Public Art Fund (Inversión Pública en las Artes) de Nueva York, Muntadas instaló el mensaje de cincuenta segundos This is not an advertisment en la mesa de iluminación electrónica "Spectacolor" que entonces dominaba la Times Square de Nueva York. Cada veinte minuntos, en medio de los anuncios publicitarios, la señal emitía el texto: "Esto no es un anuncio... subliminal... velocidad... fragmentación", aludiendo al entorno mediático del momento de marketing y publicidad. Con las sucesivas señales, el mensaje se emitía cada vez más distorsionado y abstracto, hasta convertirse en algo casi ilegible.

Credits (Créditos)

1984, 27:02 min, color, sonido

En Credits, el análisis de Muntadas del panorama mediático se extiende a lo que el denomina información "invisible" tras las producciones de los medios de comunicación de masas. Mediante el aislamiento de los títulos de crédito de varias producciones televisivas y cinematográficas – Lawrence Welk Show (El show de Lawrence Welk), Wide World of Sports (El mundo del deporte) de la ABC, Star Trek: La película (Star Trek: The Motion Picture), entre otras—de su contexto original, demuestra que el lenguaje, el sonido y la música, los efectos visuales, los gráficos, la tipografía, el formato y el ritmo reflejan cómo los productores y entidades productoras hacen publicidad de sí mismos. En una cinta que Muntadas pretende que no tenga ni principio ni fin, deconstruye y relee los títulos de crédito hasta convertirlos en pura información.

Watching the Press/Reading Television (Ver la prensa/Leer la televisión)

1981, 11:20 min, color, sonido

Sobre este trabajo, Muntadas escribe: "Trata de la fragmentación. De cómo los medios de comunicación –en este caso, las revistas (People, Money, U.S. News & World Report) y la televisión—simplifican la información". En su línea de investigación del proceso de leer o visualizar la información, contrasta las imágenes borrosas de la televisión con las palabras impresas en primer plano que se ven al pasar las páginas de las revistas. Al recomponerse, las imágenes demuestran la capacidad de los medios para manipular, simplificar y restringir la información. El título contrasta la recepción de un texto escrito con la de un texto televisivo.

Andreas M. Kaufmann

Andreas M. Kaufmann nació en Zurich en 1961. Cuando era niño coleccionaba todo tipo de objetos, especialmente fósiles; y quería ser arqueólogo. Durante los últimos años de instituto, cambió de opinión. Estudió Bellas Artes en la Kunstakademie Münster y Diseño fotográfico en la Universidad de Ciencias aplicadas en Münster y Dortmund. Al mismo tiempo asistía a clases de filosofía, historia y literatura alemana en la Westfälische Wilhelms-Universität Münster. Su trabajo ha sido exhibido internacionalmente. Actualmente vive entre Colonia y Barcelona. Un aspecto central de su práctica artística es el hecho de ir coleccionando imágenes desde hace 20 años. Son mayoritariamente imágenes de acceso público, así como de medios impresos, televisión, archivos, internet y otras fuentes.

Éstas imágenes han sido el material de muchas de sus obras, que ha realizado con diversas técnicas. El hecho de que estas imágenes suelen ser parte de nuestra memoria colectiva, lo motiva a investigar en su discurso artístico la conexión entre la esfera pública, las imágenes y la identidad humana.

Videopainting nº 2, Video D´Ameublement nº 2

1996, 30’, color

Sobre la concepción de Videopaintings / Vidéo d’ameublements

Las Videopaintings son videos generados por ordenador que tratan sobre la televisión e internet como medios que muestran imágenes que son ejemplares del comportamiento humano.

El punto de partida de lo que llamo Videopaintings son grabaciones de los hechos cotidianos o gestos aislados que son normalmente adaptados en función de un movimiento continuado y sin fin.

Estas acciones realmente nada espectaculares se procesan de tal modo que el observador duda de si se encuentra ante una imagen congelada o no.

Sally Gutiérrez

Tras licenciarse en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid, Sally Gutiérrez se trasladó con una beca a Berlín, donde pasó varios años antes de desplazarse a Nueva York con una beca Fulbright, para realizar el Máster de Estudios Mediáticos en el New School University. En 1999-2000 fue becada en el Whitney Museum of American Art Independent Study Program y en el curso 2000-2001 disfrutó de la beca/residencia del Lower Manhattan Cultural Council World Views en el piso 92 de las Torres Gemelas.

Asimismo, Sally Gutierrez ha participado en numerosas exposiciones, tanto en Europa como en Estados Unidos. Ha impartido clases en la New School University y ha dado varias charlas y conferencias.

City Game TV

2002, 28’, color, sonido

Concebí y grabé el material para este video durante mi residencia-beca en el piso 92 de la torre Norte de las Gemelas del curso 2000/2001, pero la edición no la realizé hasta este verano pasado, ya que se trataba de un material muy conflictivo para mi; con un gran carga emocional y que podía fácilmente convertirse en algo sensacionalista e interesado.

Decidí seguir las pautas de edición que había planeado originalmente antes del 11-sept. Mi idea inicial era un trabajo que se insertara en la estructura misma del edificio, haciendo a la vez una reflexión y una crítica a lo que simbolizaban y significaban las torres Gemelas, pero partiendo siempre de opiniones y puntos provenientes de dentro de las entrañas de aquel lugar. El World Trade Center representaba el más feroz sistema de capitalismo tardío, no solo los negocios y las transacciones económica que se estaban realizando en sus oficinas y espacios, sino que también su arquitectura exterior e interior realzaban este símbolo. Las narraciones reflejan los sentimientos personales de los entrevistados hacia el edifico, su arquitectura y magnificas vistas, y a la misma vez re-definen las relaciones del individuo con la ciudad que habita. La artista planeaba mostrar este vídeo en los ascensores, pasillos y halls del edifico; el conjunto de los subtítulos en castellano e inglés, el movimiento constante de personas y vehículos desde la altura jerárquica de las Torres y el aspecto humano de las entrevistas se presentaban como un comentario irónico a las cadenas de TV de información y negocios mostrados continuamente en este edifico.

CITY GAME TV se editó simulando este tipo de cadenas de televisión, en las cuales no hay un foco central de atención, sino que la información está basada en el principio de la dispersión, la fragmentación y esa angustia, elemento fundamental en la teoría del consumo, de nunca llegar a todo y siempre necesitar más.Pero a diferencia de estas cadenas CITY GAME TV presenta información (vistas) no utilitarias sino subjetivas, crítica, balsámicas, poéticas, insistentes, no fragmentadas y cotidianas, que en vez de seguir el movimiento televisivo de traer lo de fuera hacia el espacio interior invierte la mirada de dentro hacia fuera.

La única concesión que he hecho en el momento de la edición a los acontecimientos del once de septiembre ha sido la introducción y el final del video, en el cual se ve la instalación Open Windows que realicé en mi estudio en Mayo del 2001 para la exposición en la que se abrían los estudios al público.

Colgué cortinas blancas que se movían con unos ventiladores colocados a la vista. Al entrar en los estudios la impresión era que se habían abierto las ventanas, algo que era imposible en este edificio. Se trataba de un gesto que ironizaba y feminizaba aquel edificio masculino y jerárquico, dándole un aspecto teatral y a la vez doméstico y sureño. La música que se escucha en el video es la música que sonaba en ascensores y halls del edificio. Estás dos escenas son mi dedicatoria y mi homenaje personal a las victimas y a los espacios del WTC. Finalmente deciros que todos los personajes entrevistados han sobrevivido, dos de ellos por lo que se llama casi un milagro. Sally

Roc Parés

Roc Parés es artista y experto en comunicación interactiva. Es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y Doctor en Comunicación Audiovisual por la Universidad Pompeu Fabra. Cofundador (junto a Narcís Parés) y Dtor. Artístico de Galería Virtual, una plataforma de investigación y produción experimental que, desde el 1993, explora la tecnología de la realidad virtual como medio artístico.

Galería virtual ha desarrollado proyectos con Joan Fontcuberta, Marius Serra, Perry Hoberman y Andrés Lewin-Richter. Sus trabajos artísticos han sido presentados en diversos acontecimientos internacionales, en centros y museos de Europa y América, como son el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB), el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) de Madrid, la Tate Gallery de Londres, la Galería de Arte de Ontario (AGO) de Toronto y el Museo Nacional de Fotografía, Películas y Televisión de Bradford, entre otros.

Fábula de la bombilla incandescente y la cámara inteligente

2004, 60’ color

El intento de captar, durante una hora, un plano fijo de una bombilla incandescente, da lugar al inicio de la DEMO de la cámara con la que se estaba registrando. Se produce así el inesperado diálogo entre una bombilla incandescente y una cámara “inteligente”

La siguiente alegoría se me vino a la cabeza viendo un documental sobre la muerte del anarquista Salvador Puig Antich, ejecutado por Franco hace treinta años. Viene del plano en el que se ve la ciudad a oscuras, por la noche, y en medio la cárcel Modelo de Barcelona perfectamente iluminada. El texto surge concretamente de los segundos que tardé en comprender que el edificio que protagonizaba dicho plano no había sido iluminado en esa ocasión y para su grabación en vídeo si no que lo está siempre y para evitar la fuga de los reclusos.

Nuestra bombilla era la única transparente de la casa y por este motivo se sentía más vulnerable que las otras, que eran todas de cristal blanco, opaco. Con su filamento tan expuesto siempre había sufrido en su incesante lucha por mostrarse a pleno brillo, sin un mínimo parpadeo. Titilar le daba pánico y hasta el más imperceptible de los cambios de tensión le ponía al borde de un ataque de ansiedad.

Justo enfrente de donde vivía nuestra hipocondríaca amiga, se encontraba una cámara digital. A primera vista parecía un aparato contento que con orgullo japonés exhibía su cuerpo de plástico metalizado pero, en el fondo de sus circuitos, se sentía ya anticuada y estaba acomplejada a causa de su baja resolución. Lo cierto es que esta cámara salía ya muy poco de casa y pasaba los días enchufada, recargando en vano el litio de sus baterías. Apática, enfocando de forma automática a la bombilla encendida, la cámara se lamentaba de su suerte. Creía que siendo cámara no se podía ser más desgraciada que ella que, por no tener, no tenía siquiera algo que grabar. A nuestra cámara el cuadro de la bombilla le deprimía profundamente ya que le parecía que un foco como aquel debía servir en todo caso para iluminar algo que fuera objeto de ser fotografiado pero, en ningún caso, para aparecer en imagen ni mucho menos chupando plano como ella lo hacía. La frustración de la cámara digital era una borrachera que iba a más cuanto más se mezclaban el esmero por brillar con el temor por no brillar suficientemente de la bombilla incandescente quien (ni falta hace decirlo) padecía en silencio lo que ella consideraba una insoportable vigilancia.

Pasaron días pero ni siquiera el mismísimo tiempo pudo arrancarle una palabra para el otro a alguno de los dos.

El silencio tenso y cargado de temores de la bombilla se alargó hasta el día en que se le fundió su filamento. Y ese silencio que se acabó en ese día dejó un vacío que, al instante, vino a llenar otro silencio mucho más oscuro y silencioso que el primero. El paso de un silencio al otro no es un misterio: está perfectamente calculado cuanto han de durar los filamentos y muy raramente superan su esperanza de vida ya que la longevidad de la bombilla está reñida con el beneficio de su fabricante.

Ya sin la luz de la bombilla, la cámara digital se puso en modo "demo" y pasó el resto de sus días hablando de sí misma y mostrándose al mundo como alguien capaz de fotografiar el mundo, bombilla incluida.

Moraleja: Una máquina es incapaz de discernir entre la imagen fija y la imagen en movimiento de una bombilla incandescente. Pero solamente la cámara digital es capaz de producir esa diferencia.

Cova Macías

(Oviedo 1976)

Artista plástica, actualmente residente en Hangar, Barcelona. Desde el año 2000, a partir de recibir un premio de Arte Público en Gijón por el proyecto en vídeo “Dulces confidencias” comienza a realizar un trabajo más marcadamente documental y social, utilizando el medio audiovisual (vídeo) y fotográfico como soporte para ir elaborando un discurso,en el que analiza la búsqueda y construcción de la identidad en edades conflictivas como son la adolescencia y la juventud ,de esta forma reflexionando sobre la representación que hacen de sí mismos los propios protagonistas frente a la cámara, marcada por factores externos de un contexto determinado.Siempre trabajando desde la más estrecha colaboración con los protagonistas,(los proyectos nunca parten de una idea cerrada, sino que se van estructurando a partir de la experiencia compartida) ,tomando una posición ética definida y una distancia que hace pensar en una aparente objetividad e intentando explorar y visibilizar los acontecimientos “superfluos” tenues o sin peso dramático aparente que inundan el entorno de lo cotidiano.

Dulces confidencias

2002, 25’, color, sonido

Vídeo de carácter documental y social, en el que se analiza la búsqueda y construcción de la identidad en edades conflictivas y se reflexiona sobre la representación que hacen de sí mismos los propios protagonistas frente a la cámara; Un grupo de adolescentes nos hablan de sus preocupaciones, sus deseos, sus ilusiones y sus miedos; a estas entrevistas se contraponen escenas de los mismos en sus momentos de ocio: maquillándose, bailando, haciendo deporte, saliendo por la noche o tatuándose.

Miquel García

Nace en 1975, en la ciudad de Barcelona. De formación multidisciplinar en el campo de las artes.

Ha cursado estudios de joyeria y escultura en la escuela Massana de Barcelona y participado en diferentes workshops sobre performances y artes escénicas con artistas como Yan Duyvendak y Patty Chang. Seleccionado en diversos concursos y becas. En el 2001 representó a Barcelona en la Bienal de jóvenes artistas europeos realizada en Sarajevo. Ganador de la beca Carta blanca del año del diseño de Barcelona. Su trabajo ha sido expuesto en países como Francia,Inglaterra, Alemania, Italia y Suiza. El pasado año participó en la primera feria internacional de video arte LOOP en Barcelona, en la exposición colectiva Dades esencials en La sala Can Felipa de Barcelona y la inauguración del espacio consulta en el Centro de Arte Santa Mónica de Barcelona. Actualmente está becado en Lisboa y preparando un proyecto para exponer en la sala Maus Hábitos de Oporto.

Zappme

2003, 2’ 13”, color, sonido

Al mostrarme, me expongo ante el otro, ante la otra, ante los demás. Mi inseguridad, me conduce al miedo de conocerme, a que me conozcan, a desconocerme .Desde pequeño, en la escuela, en mi casa... me enseñaron que había de gustar a los demás.

La cotidianidad mediatizada es presentada por la televisión voyeur. La violencia que desprende provoca en mi una repulsa. La rebelión de mis yos.

En casa. Delante del televisor. El mando me otorga el poder de la selección. Decido sobre el grado de pornografía mediática que estoy dispuesto a consumir. El control comporta la prohibición.

En esta video-acción los dos decidimos. El espectador y yo. Los dos somos nuestros propios voyeurs. Él mira y yo apago. Me enfrento a mí, lucho contra él. Contra el miedo. Contra mi miedo. Contra su imagen, contra la mía.

Este video lo grabé con una cámara, que la vez que me filmaba, en un monitor en el que veía mi imagen y retransmitía mi propio combate.

Marcelo Expósito

Nacido en Puertollano, Ciudad Real en1966. Estudió Ciencias de la Información en la Universidad Complutense de Madrid. Residente en la Jan van Eyck Akademie de Maastricht y en la Rijksakademie van Beeldende Kunst de Amsterdam. Ha participado en diversas exposiciones y videofestivales dentro y fuera de España, como en el Aperto de la Bienal de Venecia de 1993. Asímismo realiza labores de comisariado de programaciones videográficas y otras actividades.

Trilogía Los demonios familiares

Color y b/n, sonido
Los libros por las piedras, 1990-91, 6’
Tierra prometida, 1992, 5’ 30”
Combat del somni, 1994, 7’ 40”

La trilogía “Los demonios familiares” explora mediante imágenes de archivo, de películas, y de televisión; el pasado reciente de España, momentos de la Guerra Civil, de la dictadura y la transición, en un ejercicio de recuperación de la memoria histórica.

Artivismos

ARTivismos es una exposición de colectivos y artistas que realizan prácticas artísticas activistas, centradas en el cuerpo y la ciudad.

Además de la exposición se realiza un taller relacionado con el cuerpo y con la ciudad.

CIUDAD Y MICROPOLÍTICA

Taller de creación de imágenes e imaginarios de la ciudad. Impartido por Mauricio Riquelm y Carolina Gimeno.

La experiencia de una posición, la constatación de un compromiso, y finalmente la constatación de función social…

Si la memoria tiene sus reglas estas se proyectan continuamente sobre el cotidiano. Un individuo habita la ciudad y en ella habita sus tiempos, ayer, hoy y mañana adquieren así un poder en su lectura. De estas lecturas y de lo que ellas conllevan depende en muchas ocasiones el próximo movimiento práctico de una vida.

De un tiempo a esta parte vivimos inmersos en procesos de estetización del poder político que conllevan la naturalización de muy determinadas formas de lectura y praxis. La proposición de este taller, contextualizada en las preocupaciones del arte del último tiempo, plantea reflexionar y dar visibilidad al desacuerdo de sentido, propio de las disposiciones moleculares o micropoliíticas, es decir de aquello que existe como respuesta inmediata al "como" del "aquí".

En los antecedentes de esta experiencia podemos ubicar a la internacional situacionista que entendía como una acción política el reapropiarse del espacio urbano y dotarlo de nuevas asociaciones y significaciones. La práctica de la deriva, constituye una de las herramientas más ejemplificadoras al respecto. En ella, el individuo se adentra de forma directa en la psicogeografía de la ciudad, produciendo campos de percepción ,que anulan la naturalización de las reglas del vivir, impuestas en este proceso de estetización de lo político. Así utilizando herramientas como la antes mencionada se propone adentrarse en procesos de habitabilidad y reapropiación de lo público que constituye el lenguaje y la ciudad.

Ciudad y micropolítica es un ejercicio de análisis y acción en torno a las incidencias de los microrelatos de los espacios públicos de Zaragoza. Este taller se enmarca dentro de la muestra Artivismos, en el festival En la Frontera, cultura desubicada.

Dirigido idealmente a personas que presenten un interés en el análisis y la contingencia política que el arte puede tener en relación a las problemáticas que la ciudad contemporánea suscita.

Se pretende rescatar, remarcar, dar visibilidad, intervenir y analizar los relatos y experiencias de la ciudad que posean los participantes utilizando técnicas como el detournement, la deriva , la performance de sobre identificación y la narración audiovisual.

PROGRAMA

• Identificación del imaginario de la ciudad: técnicas de deriva, psicogeografía, micro relatos deconstructivos.
• Espacio público y representación.
• Visionado de trabajos de otros artistas.
• Ciudad y micropolitica.
• Recorridos urbanos y producción de audiovisuales.
• Arte y política.
• Producción de audio-visuales.
• Montaje de la producción del taller
  

Dias 22 y 23 de mayo de 2004

Inicio a las 10.00h.

Lugar: antiguo Instituto Anatómico Forense

Inscripción gratuita

Para un cupo máximo de 11 personas.

¿DNI?

Grupo de Trabajo Queer, Madrid.

Documento: resistiendo al archivo, al registro.
Nacional: resistiendo al estado nación.
Identidad: resistiendo a la identidad estable, natural.

DNIs alterados. El DNI condensa muchas de las formas de intervención del poder. Con su alteración RESISTIMOS:

Al nombre propio y sus marcas de género. Resistimos a los biopoderes. Violencia cultural: resistimos a las marcas.

Violencia machista: 60 muertas en 2003. Violencia biológica transfóbica. Violencia. DNI=ADNi: no somos mariclones.

Gestionamos y desmontamos el DNI: Dragking No Identificado. Resistimos a la marca de género y sexo: nuestro sexo es S/M. Trabajamos nuestro culo. Resistimos a la filiación, al padre y a la madre, a la pareja universal. ¿Matrimonio? ¡Trimonio!

Resistimos a un poder asesino, que condena a los/as inmigrantes a una muerte civil: la muerte civil es una forma de asesinato. Resistimos a un sistema de asignación de identidad que no permite la gestión autónoma del género ni del sexo. Cambio de sexo gratis ya. Resistimos porque hay cuerpos y políticas trans.

El sexo es una migración, somos migrantes en tránsito. Somos sextranjeros. Somos extrangéneros. Resistimos a lo humano, a ser persona, sujeto o individuo. Nuestro sexo es protésico, cibernético, precario, múltiple.

Cuerpos que importan. Cuerpos que soportan. Cuerpos que sudan. Drogamos nuestros cuerpos, los operamos, los hormonamos, los modificamos. Resistimos con cuerpos transfronterizos, abyectos, sucios, raros. Resistimos al cuerpo médico-policial. Resistimos al poder globalizado: del GT8 al OGT8. Resistimos al consumo rosa, a un 28 J de espacios acotados y privados. Bollera no es una marca, es un desorden global.

Mensaje en una Botella: resisitimos a la criminalización de los/as trabajadores/as del sexo. Combatimos la matriz heterosexual, la lesbofobia, la homofobia y la transfobia institucionales. Okupamos los espacios de asignación de género y sexo, resistimos en los laboratorios: un desalojo heterosexual, otra ocupación maribollo. Resistimos con multitudes y diásporas queer, con proliferación de identidades: ciberbollos, osos, camioneras, drag king-kong, punkifemmes, transgéneros, intersexuales, maricones...

Conferencia de Sandra V

Presentación del making off del largometraje 616 DF (El Diablo Español vs. Las luchadoras del Este) dirigida por Sandra Uve en 2004.

Sinopsis:
Los legendarios campeones de lucha libre EL DIABLO y EL MALO, con ayuda de su aprendiz ROBIN, investigan la desaparición de las estrellas del rock MIÉRCOLES Y SILVITRÓN que han sido secuestradas por un comando terrorista integrado por tres misteriosas luchadoras enmascaradas: LENKA, KATKA y JITKA. ¿Cuál es el motivo del rapto? ¿Qué pretenden las guapas delincuentes? ¿Qué significa el mensaje en clave 616 DF?

Sandra V (Barcelona 1972) es editora de los fanzines ANNABEL LEE y PONNETTE. Colabora en las revistas MONOGRAFICO, TOS, COMO VACAS MIRANDO AL TREN, IDIOTA Y DIMINUTO, MUNDO DEPRAVADOS y 2000 MANIACOS. Ilustraciones de prensa y artículos para GOREMANIA 2 de Jesús Palacios, CALLE 13 (STUDIO UNIVERSAL), PRIMERA LINEA, VANIDAD, MANGO, WOMAN, LA VANGUARDIA,...
Ha realizado animaciones para CINEMANIA de Canal Satélite y ZETA DIGITAL.
Además es autora del álbum de cómic “621 Km” (2004) de la editorial Dobledosis, y responsable de la programación del ciclo Cinefagía (2000/3. Sala Sidecar. BCN)
Coguionista de “Hombres Lobo en Benidorm” para CALLE 13 (2001).
Directora y guionista del programa de animación para adultos “Toon Toon” (2002/3. Canal 33. Televisió de Catalunya), del programa sobre cine fantástico y de terror “Fantástic” (2003. Canal 33. Televisió de Catalunya) y de las piezas eróticas “La zona negativa” (2003. IFG) y “Sexorama” (2003. IFG)
Directora de la película hardcore “ANGEL DE NOCHE” (1999), firmada con el pseudónimo de Tatiana Lies y de “616 DF” (El Diablo español vs Las luchadoras del Este) (2004. Distribuida por IFG).

Proyecciones durante la conferencia:

• MAKING OF de 616 DF (EL DIABLO ESPAÑOL vs LAS LUCHADORAS DEL ESTE)
• MAKING OF de HOT RATS (“ZONA NEGATIVA”)
  

Prensa

La calle Alfonso I incorpora el videoarte a sus escaparates

El periódico de Aragón. RAMON RUIPEREZ.

11/05/2004. Zaragoza.

"El escaparate es la frontera que separa lo público de lo privado. En la Frontera, que refleja el arte desubicado, hemos pensado que sería interesante organizar una exposición en ellos, porque cada pieza expuesta transmite una serie de valores diferente que se engloba en las tiendas y conforma un todo. Está muy bien porque es una manera de que mucha gente que normalmente no acude a galerías de arte o museos vea qué se hace en este tipo de arte". Así define Pilar Cruz, comisaria junto a Maribel Perpiñá de la exposición Vídeo shop , la muestra de 16 videoproyecciones y una videoinstalación que se puede observar desde ayer y hasta el próximo día 23 en los escaparates de 16 comercios de la calle Alfonso I, y que fue inaugurada ayer a las 19 horas.

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A través del cristal. ©Video-shop, el arte a través de los escapatrates de la calle Alfonso de Zaragoza

Boletín digital Masdearte.com

Zaragoza, 10/05/04

La ciudad de Zaragoza acoge ©Video-shop, una original propuesta para trasladar el arte a la calle y reflexionar sobre las fronteras entre lo público y lo privado. Del 10 al 20 de mayo, los establecimientos comerciales de la calle Alfonso en la capital aragonesa mostrarán el trabajo de dieciséis prestigiosos artistas, basados en videoproyecciones, videoarte y multimedia en los escaparates. Las imágenes que se exhiben son diferentes maneras de entender y compartir el espacio del conocimiento, destellos de nuevas experiencias de arte público y recuperar la conexión entre el arte y la vida cotidiana.

Los participantes son Antoni Abad, Filipa César, colectivo el Perro, Mattew Dipple, Alicia Framis, Daniela Franco, Sally Gutiérrez, Núria Marquès, Jennifer & Kevin McCoy, Julia Montilla y Juande Jarillo, Roc Parés, Tere Recarens, Gino Rubert, João Tabarra, Laura Torrado y Marc Viaplana.

Esta exposición, que pretende ser una reivindicación del espacio público como escenario privilegiado para nuevas prácticas artísticas, está enmarcada en el festival "En la Frontera, cultura desubicada", organizada por el Ayuntamiento de Zaragoza.