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INTRODUCCIÓN

El proyecto La cámara como escritura trata sobre el análisis del lenguaje audiovisual en la videocreación narrativa a partir de 1990, cuando el video y los ordenadores son de uso doméstico. Esto ha generado y está generando unos “modos de encuadre” autoetnográficos y unas maneras de construir la narrativa audiovisual próximas a lo que se le denomina “cine de autor”. A su vez, algunas videocreaciones rompen con la narrativa lineal desdoblando las secuencias en el espacio, en dos o en tres proyecciones simultáneas.

La idea del proyecto es producir un documental analizando una obra de los artistas seleccionados (The Passing de Bill Viola; Monogramas de Stan Douglas; Los espigadores y la espigadora de Agnés Varda; Manola coge el autobús de Gabriela y Sally Gutierrez, etc.) y que junto con teóricos del mundo audiovisual ( Michel Chion, Raymond Bellour, Román Gubern, Bertha Sichel etc.) se conformará un recorrido por la evolución del lenguaje audiovisual, donde el avance tecnológico ha ido rompiendo las barreras estéticas entre el video y el cine. Esto ha desembocado en la vuelta del narrador como contador de historias desde una experiencia subjetiva que formará parte de un interés colectivo, debido a los temas sociales que se tratan. Se convierten así en muestras antropológicas de la contemporaneidad.
Esa realidad construida por el lenguaje audiovisual ( la televisión, el cine, el video doméstico…) va a ser analizada, deconstruida y/o reconstruida por los artistas recurriendo al mismo medio, el lenguaje del audiovisual, en la videocreación.

El proyecto La cámara como escritura está apoyado por el sector: académico, críticos de arte, universidades y museos; debido a su interés e innovación en el terreno audiovisual, cultural, educativo y artístico.

UNIÓN (Unión de las Asociaciones de Artistas Visuales de España); UB (Universidad de Barcelona); UAB (Universidad Autónoma de Barcelona); UCM (Universidad Complutensa de Madrid; MEIAC (Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo); MNCARS (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia) y la Fundación Joan Miró.

ARGUMENTACION Y JUSTIFICACIÓN

El video en el arte aparece en los años 70, se instaura como técnica asociada a un contexto artístico. Los años 60 y 70 son períodos especialmente fértiles en el terreno artístico puesto que se producen una serie de cambios y rupturas radicales con los modelos estéticos establecidos que favorecen la proliferación de nuevos movimientos artísticos – Pop Art, Mínimal y Povera, Land Art, Fluxus, Arte Conceptual- capaces de coexistir simultáneamente, conviviendo en un mestizaje hasta entonces desconocido en el mundo del arte. Estas tendencias compartían el intercambio multidisciplinar y propiciaba la entrada de nuevas formas y medios de expresión en el arte, en especial los que tenían que ver con la tecnología. Los artistas procedentes de las más variadas disciplinas comienzan a experimentar con otras artes visuales: el cine y el video.

A partir de los años 90, el video entra a formar parte de la tecnología doméstica y se instaura dentro de la producción artística como algo habitual, generando y creando nuevas narrativas; nuevas miradas en intersección y confluencia en el campo audiovisual.
No como la experimentación de un nuevo soporte a nivel tecnológico, sino como un lenguaje estético que forma parte del audiovisual como nueva mirada.
Estas narrativas audiovisuales dejarán también de estar concebidas para ser vistas desde un monitor, como un objeto de una instalación; serán realizadas para ser proyectadas en una sala, que puede ser de cine o en una sala de exposiciones (White cube), e incluso para ser emitidas por televisión. Con ello se genera el refuerzo del concepto del audiovisual como lenguaje; un lenguaje que en la actualidad se va unificando en un “gran caudal” que reúne en su cauce las diferentes orillas del cine, la televisión y el video.

Esta introducción de la cámara de pequeño formato y del ordenador en lo doméstico instaura una nueva forma de entender el audiovisual, que como dijo Francis F. Coppola: “alguna pequeña muchacha va a hacer una gran película con la cámara de su padre”, eso le ocurrió o algo parecido a Sadie Benning, no con la cámara de su padre, pero si con la que éste le regaló, una Fisher Price.
Los artistas construyen narrativas desde la/su subjetividad dentro de su contexto social, a esto la teórica canadiense Catherine Russell lo denomina “Autoetnografía experimental”.

La historia del cine se realiza como una videocreación ( L’Histoire du Cinemá, de J.L. Godard), el cine utiliza la estética del video y de la televisión ( Ej.: Pilow Book, de P. Greenaway), los documentales se hacen performáticos ( Ej: Los espigadores y la espigadoras, de Agnés Varda) y la videocreación se construye desde lo cinematográfico (Ej: las obras de los artistas Bill Viola, Olaf Breuning, Sadie Benning, Robert Cahen, etc).

Este panorama interconectado se alimentan entre si , y a su vez, alimenta al espectador con nuevas narrativas ficciones y/o documentales.

METODOLOGÍA Y PROCESO DE TRABAJO

El engranaje en la elaboración de este proyecto será analizar el lenguaje audiovisual desde los años 90 hasta nuestros días a partir de entrevistas con los artistas y teóricos que trabajan dentro del audiovisual.

El análisis del documental se constituirá a partir de las siguientes temáticas:

- La gramática del lenguaje audiovisual ( Tipos de: planos, encuadres de imagen, encuadres de sonido, montaje, etc.)
- Fusión entre las diferentes estéticas: Video, Cine y Televisión.
- La cámara como generadora de realidades
- La narrativa: narrativas autoetnográficas
- El personaje del narrador y sus formas de representación
- Ficción y/o Documental
Aunque se hable desde el presente se generaran hilos de conexión con la historia del audiovisual en todos sus campos y disciplinas, aunque no hay ninguna pretensión de hacer historia del arte ni del audiovisual en un sentido general, la propia construcción del proyecto generara una historia particular de interés general.

Se entrevistan a los siguientes expertos/teóricos de diferentes ámbitos del audiovisual. Entre ellos estará:

• Raymond Bellour, crítico de arte y escritor. París. Francia
• Eugeni Bonet, teórico y artista audiovisual. Barcelona. España
• David Bordwell, catedrático de estudios cinematográficos de la Universidad de Wisconsin. EEUU
• Michel Chion, compositor de música concreta, cineasta, investigador y profesor de la Universidad de Paris III. Paris. Francia
• Marta Gili, critico de arte y directora de la Galería Nacional “Jeu de Paume” de París. Francia
• Roman Gubern, escritor y profesor emérito de la Facultat de Ciències de la Comunicació, UAB. Barcelona. España
• Begoña Gutiérrez de Miguel, escritora y profesora de la Facultad de Ciencias de la Comunicación. Universidad de Salamanca. España
• Antoni Mercader, teórico y profesor de la Facultat de Ciències de la Comunicació, UB. Barcelona. España
• Neus Miró, crítica y comisária independiente de arte audiovisual. Barcelona. España.
• Laura Mulvey, profesora de Historia del Arte y del Cine de la Birkbeck University of London
• Catherine Russell, escritora y profesora de la Universidad de Montreal. Canadá
• Berta Sitchel, Directora del Departamento de Audiovisuales del Museo Nacional Reina Sofía. Madrid. España
• Antonio Weinrichter, crítico de cine y profesor de la Facultad de Ciencias de la Comunicación, Universidad Carlos III. Madrid. España
• Patricia Zimmermann, escritora y profesora del departamento de cine y fotografía del Ithaca Collage. EEUU
  

Las obras a analizar junto con los artistas que las crearon serán las siguientes: (Aparecen clasificadas por su construcción narrativa).

Narrativa documental

Los artistas protagonistas y narradores:

• Los espigadores y la espigadora (1999/00) de Agnés Varda
• A place called Lovely (1991) de Sadie Benning
• The Passing (1991) de Bill Viola
• De l’autre côté (2002) de Chantal Ackerman
  

Narrativa ficción

Los artistas protagonistas y narradores:

• Lasso (2001) de Salla Tykkä
• King (2000) de Olaf Breuning
  

Narrativa Ficción/Documental

• Corps flotans (1997) de Robert Cahen

Narrativa Ficción/Documental. Secuencias desdobladas

• Monodramas (1991) de Stan Douglas
• Manola coge el autobús (2005) de Gabriela y Sally Gutierrez
• Consolation service (1999) de Elija-Liisa Ahtila
  

Narrativa Ficción. Secuencias desdobladas (instalación)

• Interiors (2002) de Doug Aitkein
• La distancia correcta (2003) de Mabel Palacín
  

Narrativa Ficción musical

• Un Mystique Determinado (2002) de Carles Congost
  

(Los artistas y teóricos seleccionados podrían variar en función de la aceptación y condiciones del proyecto.)

Créditos

• Directora y guionista: Isabel María
• Productora ejecutiva: Maribel Perpiñá
• Coproducción: Benecé Producciones S.L. y TV3 Catalunya
• Gestión de producción: laPinta Producciones (Maribel Perpiñá, Leandra Vieira, Jordi Fábregas, Berta Cervantes y Sonia Elvira)